Bailando con reglas diferentes: Cómo cuatro rebeldes cambiaron la danza moderna
Piensa en el ballet. ¿Te imaginas zapatillas de punta color rosa? ¿Qué tal bailarinas con el pelo recogido en un moño apretado? Y no olvides el tutú, esa falda con volantes que sobresale de la cintura.
Ahora imagina la danza moderna. Es más difícil crear una imagen, ¿no? Esto se debe a que la danza moderna no es solo un tipo de danza. Es un término general para la danza que no es ballet ni entretenimiento popular. De hecho, la «danza moderna» se ha definido de muchas maneras diferentes desde que comenzó a finales del siglo XIX y principios del XX.
Los primeros bailarines modernos no sabían que estaban comenzando algo nuevo. Solo querían algo diferente. Querían expresarse a través del movimiento, el ballet era demasiado antiguo, rígido, y había demasiadas reglas. A los primeros bailarines modernos no les gustaban las reglas. Eran rebeldes. Eran libres pensadores, y la mayoría eran mujeres.
Conoce a cuatro pioneras de la danza temprana, estas rebeldes con una causa, y descubre cómo cada una cambió la danza moderna a su manera.
Libertad de Figura y Forma: Loie Fuller (1862-1928)
Taber, I., photographer. Loie Fuller dancer. 1987. [Photograph]
Retrieved from Wikimedia Commons, Source.
Loie Fuller fue una de las primeras bailarinas modernas estadounidenses. Curiosamente, casi no tenía experiencia en danza cuando comenzó a presentarse. En una audición de actuación, le preguntaron a Fuller si podía bailar y ella respondió que sí. Como confesó Fuller más tarde, «cuando estás hambrienta, a veces olvidas ser estrictamente veraz».
Fuller rápidamente tomó una tela que encontró en un baúl detrás del escenario y se la envolvió, sujetándola con alfileres. Le dijo al director que necesitaba luces tenues, y luego actuó girando y balanceando los brazos, extendiendo la tela. Ganó aplausos y un trabajo, y comenzó a actuar para el público.
Llamó a su baile La serpentina y fue una sensación. Nadie había visto nada igual, y pronto tuvo muchos imitadores. Fuller mejoró su vestuario. Giraba con un vestido de falda completa y mangas largas, que se podían extender y manipular con palos.
Serpentine Dance (Paris, France 1896) 4:34
Fuller desafió los límites de la tecnología de su época, experimentando con los efectos de la luz en sus movimientos giratorios. Los colores cambiantes resaltaban las formas creadas por su vestuario que giraba y daba vueltas. Era como mirar un caleidoscopio viviente, donde los colores y patrones geométricos impresionaban a los ojos. Al realizar su Danza del Fuego, se paraba sobre un panel de vidrio iluminado en rojo desde abajo. Mientras giraba y se volteaba, parecía que la estaban quemando viva. La llamaban «una pesadilla en arcilla roja», una «mariposa… una orquídea», una «rosa viviente con… hojas voladoras».
La técnica de Loie Fuller era diferente y emocionante. Utilizaba movimientos nunca antes vistos en la danza. Actuaba sola y descalza, sin «medias» ni mallas. También estaba en contra de usar corsé, una prenda restrictiva que se usaba debajo de la ropa alrededor de las costillas y el pecho. Sus actuaciones en Estados Unidos y Europa influenciaron a otros bailarines que la siguieron.
No más tutús y zapatillas de punta: Isadora Duncan (1878-1927)
Genthe, A., photographer. Isadora Duncan dancer. , None. Between 1915 and 1923. [Photograph]
Retrieved from the Library of Congress, https://www.loc.gov/item/2018708248/.
Isadora Duncan se inspiró en las presentaciones de Loie Fuller. Al igual que Fuller, a Duncan le interesaba el movimiento más natural del cuerpo humano. El ballet tenía códigos, vestuarios y movimientos restrictivos, y a Duncan no le gustaban las limitaciones.
Isadora Duncan fue una mujer adelantada a su época. Creía que las mujeres debían tener la libertad de tomar sus propias decisiones sobre el matrimonio y la maternidad (esto incluso antes de que las mujeres tuvieran derecho al voto). A finales del siglo XIX, cuando Duncan comenzó a bailar, las mujeres usaban trajes de baño modestos que cubrían todo el cuerpo. Sin embargo, Duncan eligió presentarse en el escenario descalza y con una túnica suelta que dejaba ver sus brazos y piernas. Esto era considerado escandaloso por la mayoría de la gente.
Isadora Duncan on Film 3:52
El ballet evolucionó a partir de la danza que se realizaba en las cortes reales de Europa en el siglo XV. Con el tiempo, surgió un tipo de baile muy específico que tenía su propio estilo y vocabulario en francés. Existen cinco posiciones básicas de pie para los pies que implican rotar las piernas hacia afuera desde la cadera. Los bailarines de ballet muestran un pecho abierto y una amplia colocación de los brazos. Las mujeres bailan en zapatillas de punta, que les permiten ponerse de puntillas.
Duncan rechazaba todo lo relacionado con el ballet. Sentía que la técnica de girar las piernas hacia afuera era antinatural, al igual que los brazos y piernas en posiciones forzadas. Duncan pensaba que el cuerpo humano era hermoso y quería mostrarle esa belleza a los demás. Creía que el movimiento debía provenir del centro del cuerpo (el plexo solar) y que las partes separadas del cuerpo debían relacionarse entre sí y moverse como un todo. En lugar de las posiciones formales del ballet, Duncan eligió poses que eran naturales para el cuerpo. Incluso copió posiciones de atletas en jarrones griegos clásicos que vio en el Museo del Louvre de París.
El movimiento emana del sentimiento: Martha Graham (1894-1991)
Martha Graham and ? in Heriodiade, No. 2. , . [Photograph]
Retrieved from the Library of Congress, https://www.loc.gov/item/ihas.200153807/.
No tardaron en surgir otras bailarinas que siguieron los pasos de Fuller y Duncan. Ninguna de ellas fue más influyente que Martha Graham. Su visión única transformó la forma en que la gente concebía e interpretaba la danza moderna.
Martha Graham - Night Journey 8:06
Para Graham, el ballet era demasiado artificial, arrogante y poco estadounidense. También encontraba el estilo de danza de su profesora, Ruth St. Denis, demasiado vacío. Si bien St. Denis era una intérprete talentosa, Graham sentía que su coreografía carecía de profundidad. Era danza como entretenimiento con imágenes exóticas de otras culturas incluidas. Graham se propuso elevar la danza moderna a una forma de arte seria.
Al igual que Duncan, Graham creía que la danza podía comunicar emociones, pero también creía que los bailarines debían ser artistas capacitados para poder comunicarse con claridad. Desarrolló su propio estilo de movimiento a partir del ritmo natural de inhalar (expandir) y exhalar (contraer o tensar) los músculos. Su técnica se volvió tan establecida y compleja como el ballet, lo que le permitió entrenar a bailarines de manera efectiva.
A Graham le interesaban las emociones y motivaciones humanas. Para explorar estos temas, recurrió a individuos de interés histórico y sus luchas personales y decisiones difíciles. Algunas de sus danzas se basaron en historias conocidas, como los mitos griegos. A menudo, cambiaba el enfoque de estas historias, que trataban principalmente de héroes masculinos, y las contaba desde la perspectiva de una mujer. Sus personajes femeninos solían ser intensos, fuertes y poderosos. No es de extrañar que Graham bailara el papel principal en muchas de sus obras.
Todos los elementos de las producciones de Graham realzaban su impacto emocional y psicológico. Por ejemplo, trabajaba con compositores que escribían música específicamente para su coreografía. Colaboró con escenógrafos para construir espacios que se adaptaran al escenario de sus danzas. También creó muchos de sus propios vestuarios. Cada presentación de danza era una experiencia teatral total con cada elemento del escenario trabajando en conjunto para promover su visión.
Graham logró su objetivo. No solo elevó la danza moderna al estatus de una forma de arte seria, sino que también demostró el contenido reflexivo, personal y emocional que esta nueva forma de danza podía comunicar en armonía con la música, la escenografía y el vestuario.
La Martha Graham Dance Company sigue existiendo hoy en día, y elementos de su técnica se han convertido en algo común en las clases de danza de todo el mundo.
Movimiento en Espacio y Tiempo: Merce Cunningham (1919-2009)
Colwell, L. (1946) Larry Colwell dance photographs: Studio or publicity photos: Cunningham, Merce. , 1946. [Photograph] Retrieved from the Library of Congress, https://www.loc.gov/item/muscolwell-200224954/.
Merce Cunningham conocía bien el trabajo de Martha Graham, ya que había bailado en su compañía durante varios años. Sin embargo, con el tiempo, Cunningham se rebelaría contra la definición de danza moderna de Graham.
Para Martha Graham, el movimiento estaba lleno de significado; para Cunningham, era simplemente movimiento. Cunningham quería crear obras que no fueran profundamente personales o psicológicas. Sentía que el movimiento debía ser apreciado por lo que era, en lugar de lo que comunicaba. La danza en sí se convirtió en el tema de sus danzas. No tenía ninguna figura central o personaje. Todos sus bailarines eran igual de importantes. No representaban ningún drama o narrativa, y no expresaban ninguna emoción obvia. Podían surgir momentos de ternura o intensidad, pero provenían del movimiento mismo, no de una historia impuesta.
Merce Cunningham & John Cage, 1967 6:13
Cunningham creó un vocabulario de movimiento que se parecía más al ballet que al de Graham. En lugar de centrarse en la contracción y liberación a través de la pelvis como lo hacía Graham, los bailarines de Cunningham usaban una columna vertebral fuerte y flexible, con brazos y piernas que a menudo se extendían hacia afuera. Sus bailarines debían tener una fuerza y un control asombrosos para ejecutar los cambios de dirección que exigía su coreografía.
Cunningham también experimentó con la organización del movimiento por azar. Creaba secciones de una danza y luego le pedía a un miembro del público que lanzara una moneda para determinar el orden en que se interpretarían las secciones. Con el tiempo, su uso del azar se intensificó, ayudándole a probar combinaciones de movimiento que no se le habrían ocurrido por sí solo. Cunningham incluso adoptó los avances tecnológicos, utilizando programas informáticos con bailarines digitales para generar ideas de movimiento.
En contraste con el teatro total de Graham, el teatro de Cunningham estaba compuesto por elementos separados que solo se unían en la presentación. Él creaba el movimiento, pero no dictaba cómo debía ser la música o la escenografía. A menudo, los bailarines no conocían la música hasta la noche de la función. Lo único que la danza y la música tenían en común era que comenzaban y terminaban al mismo tiempo.
Cunningham también daba instrucciones mínimas a sus diseñadores de escenografía y vestuario. Muchos de los diseñadores eran sus amigos: importantes artistas visuales como Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Andy Warhol y Frank Stella. Cuando todos los elementos se reunían en la presentación, no estaban unificados, sino separados. El movimiento, la música, la escenografía y el vestuario coexistían en la presentación, pero no tenían nada que ver entre sí, como ruidos en una calle.
Es difícil imaginar a alguien rebelándose contra el arte de Martha Graham más de lo que lo hizo Cunningham, pero los que vinieron después de él siguieron empujando la definición de la danza en diferentes direcciones.
¿Y hoy en día?
Hoy en día, la danza moderna a menudo toma prestado de estilos populares como el hip hop, el break dance, el jazz entre otros, que tienen sus propias historias interesantes. La danza contemporánea incluso toma prestado del ballet con su énfasis actual en bailarines altamente capacitados.
Entonces, ¿hacia dónde se dirigirá la danza a continuación?
Todo depende del próximo rebelde que la redefina.
Referencias
Dancing to Different Rules. (s. f.). The Kennedy Center. Traducción Aranda Rodriguez, Luis Esteban (Marzo 2024). https://www.kennedy-center.org/education/resources-for-educators/classroom-resources/media-and-interactives/media/dance/dancing-to-different-rules/